題材常以日本傳統的漫畫、電動遊戲、情色文化為主，顏色鮮艷富獨特的手法，將可愛、性幻想、暴力融合，展現濃厚的日本文化及對日本社會「扁平化」的發洩。 異想天開的創作視野配上深沉的黑暗之意，透過明亮豐富的色彩無拘束展現他所信仰的價值觀、社會觀及現象。 另一方面，本文也認為歌仔戲以女性演員為主的表演形式，與柳美和作品中一貫以女性為主體的創作脈絡有所回應。 例如早期作品，她在《電梯女郎》（1997）中，透過編導式的攝影肖像，邀來一羣身著電梯小姐制服的女性們在各種現代化的場景中擺拍，思索性別職業與商品化的議題；《My Grandmothers》（2004）中，她與許多年老女性訪談接觸，以童話式的畫面與情境建構重現她們的生命故事。
- 2018年日本的藝術市場估價為19億美金，這僅僅是其高峯期90年代價值的1/10，僅佔世界藝術市場的3%份額。
- “真正的藝術從來都不是為了討好誰而創作，而都市與街頭藝術是當代藝術中的….
- 她回答，南瓜是她最喜愛的蔬果，而且南瓜「視覺上看起來充滿幽默。」只是許多人們喜愛圓滾滾又胖胖的南瓜，卻不太知道，這點綴在上頭大小不一的黑色圓點，卻是從九歲就糾纏著她的精神疾病（思覺失調）的寫照。
- 與日本的任何手工藝一樣，有些手球的技藝非常高超和精緻，純粹是為了其藝術價值而不是玩具而製作的。
觀眾的這種反應，讓我感到自己的繪畫一定程度地表現出了城市中具有普遍性的一面，為此心中感到寬慰。 日本藝術家 山口老實說，現在的畫風，是我經歷了種種痛苦掙扎之後才終於摸索找到的。 日本的美術界，向來頂禮膜拜歐美的美術，認為那纔是先進的，所以每個時代都在反覆不停地追趕。 例如明治時期的油畫、二戰後的抽象畫、概念藝術、裝置藝術……，這種傾向至今基本沒有改變。 我上大學時，就對這種美術觀產生了疑問，陷入深深的苦惱之中，看不到出路。
日本藝術家: 藝術產業
草間彌生於1929年誕生於日本長野縣的一個富裕家庭，生活條件優渥，但是有錢人家也有有錢人的煩惱。 她的父親經常外遇，而缺乏安全感的母親便指使年紀小小的草間彌生監視父親。 日本藝術家 草間彌生在九歲時出現了幻聽與幻覺的病徵，她盯著一塊紅色桌布上的花紋看了許久，沒想到漸漸這花紋卻從桌子爬上了牆壁，再上了天花板，形成一張巨大的網子，將她團團包圍彷彿要吞噬自己，當她感到恐懼又暈眩而逃開，卻從樓梯上跌落，腳也扭傷了。
例如在旅程的第一站，這些婆婆們透過打掃伊勢神宮神境，表達自己對神明的虔誠敬意之後。 桑婆婆自認因此受到了神明浩蕩的恩惠，因而開始認為自己在前世其實是個擁有高尚靈魂的女性。 但她之後遭到不法之徒玷污、被剝奪神女的資格，最終只能出生在世代只懂拖曳原木與鞣皮製革、且這種家族勢必會被歸類為日本社會最底層部落民的「穢多」家族當中，透過這次的參拜與勞動的洗禮，桑婆婆身上高貴女性的靈魂，彷彿得到了救贖。
日本藝術家: 藝術東洋風！除了奈良美智與塩田千春，你必須認識的6位日本大師
盆栽需要多年的應用才能掌握，任何人都可以練習，只要有空間擺放一棵架子上的微型樹，因此，是日本國內外非常受歡迎的消遣時間。 由英文 “animation “一詞衍生而來，”動漫 “包括手繪和電腦製作的動畫。 從20世紀初開始，日本每年都會產生大量的動畫，無數的工作室可以滿足各種口味和故事情節。 在西方文化中，動畫往往被認為是純粹的兒童題材，而在日本，動漫卻受到各年齡段人羣的喜愛，包括吉卜力工作室及其創始人宮崎駿早苗在內的電影公司都被視為國寶，是日本社會結構的核心部分。 在這個頁面上，我們列出了你在這裡可能會遇到的藝術和手工藝，並對它的內容進行了快速的總結。
2018年，拍攝紀錄片《點止草間彌生》(港譯)，當中亦有提及到無限圓點與強迫症的因由及過往挑戰社會界限地創作藝術的後果。 日本藝術家 2017年，她的作品50年回顧展在華盛頓特區的赫希霍恩博物館（Hirshhorn Museum）開幕。 她一生反戰、支持婚姻平權、積極參與社會運動，不受年齡限制並且不在意他人目光，我們不難看到她用自己存在捍衛心底信念的強大決心。
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他認為院校信奉藝術就是自由，讓學生「想創作什麼就創作什麼」，他認為這樣的藝術家不可能會成功。 按照藝術較高檔，漫畫較大眾、低級的傳統分法，日本可能只有少數幾位漫畫家可以「上升」到藝術的「高度」，如井上雄彥與松本大洋，後者2016年受羅浮宮邀請參與《羅浮宮的貓》計劃。 而村上隆2008年就已進駐了羅浮宮設個人大展，這年正是因美國次按危機引爆全球金融海嘯的那一年。 如果想更進一步認識奈良美智，除了親自造訪現正展出的《奈良美智特展》，還可以透過閱讀其專刊與畫冊，從訪談、評論，以及每一幅充滿力量的作品，進入奈良美智的世界與他共鳴。
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但陽傘實際上是一把黑色的雨傘，外表面漆成白色，並裝飾有假花，被故意製作的看起來很不真實。 在這些複雜的無限反射鏡裝置中，專門建造的房間內襯有鏡面玻璃，裡面掛著許多霓虹色的球，這些球以不同高度懸掛在觀看者上方。 站在一個小平臺的之上，觀察者可以看到光從鏡面表面反復反射，從而創造出一個永無止境的空間的幻覺。 蓮蓬頭是許多人常使用的洗澡工具，可能很少人會注意到，家裡的蓮蓬頭也需要定期清洗！
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她甚至自豪的說過：〝畢卡索數以千計的畫作都是一種風格，我的一種創作卻涵蓋了所有的想法！ 〞，這也是前面所提到的，她不受外界幹擾，只做自己想做的事情而獲得巨大的成功。 她回答，南瓜是她最喜愛的蔬果，而且南瓜「視覺上看起來充滿幽默。」只是許多人們喜愛圓滾滾又胖胖的南瓜，卻不太知道，這點綴在上頭大小不一的黑色圓點，卻是從九歲就糾纏著她的精神疾病（思覺失調）的寫照。 那可愛巨大南瓜的誕生是來自一段渾沌而痛苦的身心折磨，她說：「若不是為了藝術，我可能很早就自殺了。」然而這些不快樂的事情都被她喜歡使用的明亮色彩、愉快的線條，以及「幽默」的主體形象給魔法似的隱藏，於是在眾人面前，就只是一件一件珍貴而美好的藝術創作。 忠泰建築文化藝術基金會推廣「明日博物館」計畫，2010年第五檔展覽「風帶來光－新宮晉 動力/地景藝術展」，邀請到目前全球最重要也最資深的動力雕塑藝術家──日本藝術家新宮晉來臺，展現地景藝術之作。
日本藝術家: TOP2 村上隆》交織花與花的潮流霸主
提到近期臺灣最紅的藝術家，莫過於奈良美智和塩田千春了，除此之外，你還認識多少日本藝術家？ 我們特別整理6位紅遍全球的日本神級人物，帶你深入淺出認識他們的故事。 或許她的世界就像一顆海邊的大南瓜，安安靜靜的在那裡，只有一望無際與海浪聲陪伴著它。 目前已知草間彌生只與大她十幾歲的藝術家 Joseph Cornell 有過一場相當「藝術家」的戀愛，兩人一起散步、互相寫情詩、每天講電話、聊人生與藝術、替對方畫人體素描、偶爾接吻，但沒有過真正性行為的接觸。 他們的關係持續了十年以上，後來在 Joseph Cornell 母親激烈反對下才分手。 1972年 Joseph Cornell 病逝，草間彌生因此思覺失調的病況加重，第二年回到了日本，1977年自願住進東京的心理療養所，在療養所附設立工作室，從事藝術創作至今，除了畫作、雕塑藝術，亦有不少文字出版著作。
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他被認為英國20世紀最具影響力的藝術家之一，是英國60年代普普藝術的開創者，並對全球普普藝術發展貢獻良多。 因藝術家死後就不可能再發表作品，他對自己與 Kaikai Kiki 內的藝術家提出要求，思考時間線時要考慮到自己死後的名聲。 他亦希望 Kaikai Kiki 公司是一個即使他本人死了，仍然可以繼續運行三百年的團體。 對於村上隆來說，藝術除了需要創業的思維，更是一種永不休止的戰鬥。
日本藝術家: 奈良美智臺灣開展！10點解密大師的藝術創作、原來畫中的小女孩是香港人？
最後介紹的這位日本插畫家，打從 2008 年經已開始在日本舉行多場個人插畫展，並與不同書店、雜誌以及各類型的公司繪製形象廣告，最為人所知的確是多次與 Zucca 及 New Balance 的合作，近年他的作品更擴展至歐美地區，這位就是 Noritake。 極簡的筆觸配合大膽的留白，沒有多餘的細節，營造出一種滿載著日本風格的的卡通風格。 本回 HYPEBEAST 便挑選了當今 6 日本藝術家2025 位日本人氣插畫家，並簡單介紹其歷史及作品。
動畫電影《犬之島》和早前於Netflix上映的定格動畫《輕鬆小熊與小薰》也是他近年曾參與製作的作品。 2013 年，白髮一雄作品「Keishizoku」在紐約一場拍賣會中以四百萬美元成交，反映現今藝術圈對於具體派藝術的關注。 在歷經難關需要抱持希望的 2021 年初，他們具體而巨大的藝術衝撞，用具體證明來呈現精神自由的精神，留給我們去用力地活在當下，無畏無懼的美麗反思。 日本漫畫被稱為 “漫畫”，它起源於更古老的藝術形式，很多人在生活中都會大量閱讀。 因此，故事跨越了人類經驗的範圍，從歡樂和幼稚，到黑暗和扭曲，以及中間的一切。 漫畫最早出現在18世紀，到20世紀下半葉爆發式流行，現在是日本的主流藝術形式。
日本藝術家: 國際新聞
日本擁有一些傑出的博物館和美術館，展示了全國各地創造性追求的廣度和美感。 當然，東京是藝術空間最集中的地方，這裡有一些真正優秀的公共機構、私人收藏和Pop-up畫廊，從新石器時代的陶瓷，到江戶時代的珍品，再到最現代的抽象創意表現，應有盡有。 “和紙 “是指傳統的日本紙，適用於使用當地纖維和傳統方法生產的紙。 在日本文化的許多方面，和紙都是以它為媒介或通過它來表現的，被認為是在日本文化的許多方面起著重要作用的一種藝術形式。 在日本文化中，送禮作為一種感謝和尊重的標誌，起著至關重要的作用。
日本藝術家: 奈良美智來臺辦展引起廣大引起廣大迴響，不過臺灣人喜歡的日本當代藝術家可不只有他！
從此，她的作品開始嶄露頭角，2003年和2006 年，她在世界著名藝術家村上隆組織的東京⻘年藝術家博覽會Geisai（藝祭）上獲獎。 展覽特別選址其出身地日本千葉縣， 展出運用千葉縣立美術館的廣大空間製作的7米大型作品。 身高只有1.56米的六角對於大型創作曾表 示：「在比我高大的素材上作畫真好，當我面對如此巨大的畫布，在各個角落之間來回移動時，色 彩開始在我體內湧動。」六角更於展覽帶來以不同形態作出新嘗試、首次露面的新作，藝術愛好者 必定要密切留意。
清單內容豐富多樣，從傳統和古典藝術到更多的現代藝術和日常用品，包括藝術技巧、實踐和您在旅行中會遇到的特定物品–重點是那些適合國際遊客攜帶的禮品和紀念品。 自2007年在德萊夫畫廊（Gallery Delaive）首次舉辦個展以來，六角已經在亞洲、歐洲和美國的許 多畫廊和藝術展上舉辦了展覽，並在鹿特丹的Kunsthal和斯洛伐克的Meulensteen Danubiana美術 館等地舉辦個展，數千名觀眾親臨現場觀展。 仿傚蜘蛛結網捕捉獵物的方式，塩田以密密麻麻的絲線，編織出血管似的巨型裝置藝術。
日本藝術家: 人物形象鮮明
奈良美智鮮少曝光於鏡頭前，多數人對他的第一印象除了最具代表性的作品「大眼妹」外，再來就是他為人客氣的模樣。 本篇將透過奈良美智的 5 個小故事，讓你更瞭解這位人氣當代藝術家。 ▲成功在藝術與科技之間殺出一條血路的還有時下炙手可熱的真鍋大度，才華洋溢的他曾經作為嘻哈DJ、設計師和電腦系統工程師活躍於日本，如今天則是一位藝術家，在東京、荷蘭、奧地利等地受到歡迎。 他的表演開拓人體全新的表演方式，利用myoelectric sensor感測肌電訊號（EMG）作為輸入的一系列實驗表演，運用電流刺激臉部肌肉，結合精密計算下的電流強度、速度及聲音訊號控制來進行的演出。
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被日本受封為「最受歡迎的展覽」的《塩田千春：撼動的靈魂》選定於今年年中來臺。 於2019年6月東京六本木的森美術館開展，截至結束時期超過五十萬民眾參觀，繼韓國釜山站後確定今年登臺展覽位置就選在「臺北市立美術館」！ 塩田千春在2015年成為第56屆威尼斯雙年展的日本館代表藝術家。 去年在《森美術館》的展覽是塩田千春歷年最大的個展，集結二十多年精華超過百件以上的作品，這次來臺個被稱為「絕無僅有的展出」。 製作微縮場景模型除了需要花費非常多的時間處理場景中的細節外，也相當講求創作者的創意才能製作出令觀眾腦洞大開的袖珍藝術。 日本藝術家2025 Mozu在一次巨型裝置藝術的展覽中得到啟發，打算設計一個巨型的藝術作品展覽。
草間彌生的創作被評論家歸類到相當多的藝術派別，包含了女性主義、極簡主義、超現實主義、原生藝術（Art Brut）和抽象表現主義等。 但在草間對自己的描述中，她僅是一位「精神病藝術家」（obsessive artist）。 從她的作品中可以看到，她企圖呈現的是一種自傳式的、深入心理的、性取向的內容；草間所用的創作手法則有繪畫、軟雕塑、行動藝術與裝置藝術等。 除了《奈良美智特展》將巡迴三座城市，另一位日本大師塩田千春的超級大展也將在五月降臨北美館，所以2021年，我們不妨將它定位成臺灣的「日本藝術年」。 不僅上述兩位藝術家，接下來我們還要介紹6位你必須知道的日本大師，看看他們是如何運用自身才華在全球掀起旋風的故事。 新宮晉展出的「水上星宿」、「時光之翼」、「雪花」3件動力雕塑作品，以看不見的風作為載體，連結自然和人類內心的韻律，這是新宮晉在臺灣第一次進行的臨時性地景藝術計畫，以臺灣作為首站，之後也將於日本巡迴展出，作為整個計劃的延伸。
▲和兒玉以科學材料為對象不同，Tetsutoshi Tabata是一位視覺裝置藝術家，Tabata將舞蹈及舞臺設計緊密纏繞，兩者皆為藝術切不可的元素。 1994年，他參與創辦 66b/cell，使用預先錄製的圖形、動畫、照明和動力學，組合出變化萬千的紋理。 目前他也正專注於開發一種多投影呈現系統，2009年時Tabata以詩情畫意的概念延伸出作品Living Lens，這充滿詩意的空間是一個隨著時間進行有機循環的花園，由投影影像、聲音及觀眾的身體組成，透過先進的掃描技術，打造出充滿日式風格的精緻花園。 1973年，草間彌生因病重返日本，在那裡她開始撰寫令人震驚的內臟和超現實主義小說，短篇小說和詩歌。
日本藝術家: 生活怎能沒有它，搞定所有充電大小事－KableCARD 都市生存卡！
這是奈良美智有史以來最高價作品，售價高達港幣195,696,000元；此外，它也是奈良美智繪製過的最巨幅繪畫。 畫面中，側身站立的小女孩將一隻手藏在身後，仿若拿著一把刀一樣充滿陰謀。 隨著3月12日，展覽在北藝大關渡美術館開展，吸引每天超過千人排隊入場、周邊商品完售，這股奈良美智風潮勢必將會持續燃燒，甚至「去看奈良美智的展覽了嗎」這句話，也成為臺灣藝術迷的近期招呼用語。 如果尚未有機會前往觀展，《美麗佳人》特選9組奈良美智作品，從繪畫、裝置到插畫、時尚跨界，揭曉大師受歡迎的才華祕密。 《Tatler》為專為亞洲社會菁英人士所打造的頂級生活媒體品牌。 透過多元化的層峯社交平臺串連，深度呈現頂尖人物的新趨觀點、最新動向，以及美好精緻的生活品味。
日本藝術家: 奈良美智超有才！從繪畫、裝置到跨界，嚴選9大作品，解謎奈良美智的藝術魅力
音樂對他的影響常反映在作品上，除了直覺性地為畫中女孩配上一把吉他，奈良美智還會直接將歌詞化為創作元素，成為畫作中最搶眼、直接的訊息。 如上圖這件完成於2007年的《我準備好要去任何地方，也可以消失不見》手繪瓷盤，盤上的英文（亦為作品名稱）便是出自於巴布狄倫的《搖鈴鼓的人》歌詞。 奈良美智於青春期開始廣泛且有脈絡地接觸各類型音樂，因而深受搖滾樂與民謠的影響。 他特別對1970年代的搖滾樂發展如數家珍，更觀察起唱片的封面設計，從中得到藝術的啟發。 本作品創作於2007年，是奈良美智少見的手繪瓷盤創作，名稱浪漫移植自搖滾詩人鮑伯・迪倫（Bob Dylan）的民謠歌曲《搖鈴鼓的人》。
通常一名日本藝術家的成名之路需要從各大名校畢業開始，目前據估計在日本有8萬名這樣的藝術家，而他們之間只有0.005%的比率緊緊只有4人可以登上國際收藏家的名單，這比率實在微乎其微。 根據倫敦藝術媒體The Art Newspaper的調查，在每年參觀藝術展覽的各國人數統計中，日本排行第一。 若您碰巧趕在日本的某個國定假日去參觀美術館展覽或畫廊，就會發現售票前的隊伍大排長龍，無論是日本本土的藝術展覽還是國際型的大型藝術展，在日本當地的藝術愛好者們總是抱有最熱烈的態度支持藝術展覽活動。 除了生猛而壯麗的視覺藝術創作，展覽以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞臺設計間的創作。 展覽呈現塩田千春一路走來的創作生涯，透過紀錄照片及影片，追溯她如何橫跨繪畫、行為與裝置藝術，進而發展成多方位的創作者，而其創作以具現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜著稱，她也藉由作品探詢如身分認同、界線、與存在等普世問題。
山本桂輔的作品表達著「自身對於人類創作的歷史與衝動的關注」，並藉由注入這樣的意識於創作中，讓雕刻與繪畫帶有相互影響的關係做成創作構圖。 在吉原治良的領導下，創作以不模仿他人為宗旨，他們注重藝術家的意志，讓肉體的能量凌駕在創作媒材之上，拓展繪畫與藝術的既有定義，用前所未見的大膽創作方式打破藝術和日常生活與公眾的界線，而身體便是這一打破行為的最佳載體。 藉由一連串的行為藝術與表演，人類精神性和媒材產生互助關係，表現本質的物質因此吶喊出全新的藝術思想 — 當每個人本身的精神都是獨特的，但因精神又是抽象的，具體派中的“具體”指的便是“以具體的證明來呈現自由的精神”。 近年來插畫創作除了成為衣物界的創作元素之外，在日本更擔當上 主流宣傳手法之一，當中 Naijel Graph 的作品每每出現在不同品牌的平面廣告與媒體之中，包括 New Balance、Nike 與 BEAMS。 早在 2014 年，Naijel 獲得當時《POPEYE》總編輯木下孝浩的邀請，為 4 月號的「City Boys ABC」繪製封面而被受注目，Naijel 的畫作與其他插畫家的分別就是擅長利用色彩繽紛的水彩進行創作，沒有多餘的拖筆或重複線條，直接且充分地表達出主體內容。 出身算富裕的她，家裡從事苗圃與園藝事業，而她開始持續的創作，主要是為了減輕神經性視聽障礙所帶來的痛苦。
《我的寂寞牛仔》（My Lonesome Cowboy）與《Hiropon》是村上隆早期的代表作：前者的雕塑表現一個男孩自瀆噴出的大量精夜變成牛仔的繩圈；後者則是一個巨乳泳裝女孩在擠壓自己的乳頭，射出人奶。 奈良美智精彩的「副業」不只有廣播主持人，音樂品味超羣還擁有豐富搖滾樂知識的他，也曾接受日本知名雜誌《BRUTUS》的請託，特別為刊物撰寫搖滾樂專文。 剛開始，奈良美智和普通志工一樣，運送物資到災區、在避難所服務；到了震災後期，奈良美智則開始舉辦一連串講座、工作坊等活動，希冀藉由藝術為災民帶來撫慰與希望。 而去年雖然大環境受到新冠病毒疫情之影響，但仍不影響奈良美智對藏家的吸引力。